Das J. Paul Getty Museum in L.A. zeigte vom 3. April bis zum 26. August 2012 eine großangelegte Ausstellung mit Vintage Prints, Polaroids und kommerziellen Video-Projekten des Autodidakten. Das begleitende Buch mit über 170 größtenteils ganzseitig gedruckten Duotone-Tafeln beinhaltet die besten Bilder von Herb Ritts, dessen Werk beispielhaft für die synergetische Vereinigung von Kunst, populärer Kultur und Business im Gefolge der Pop Art der 1960er und 70er Jahre steht. Zwei Essays im Buch beschäftigen sich mit der außergewöhnlich produktiven Karriere des Photographen bis zu seinem frühen Tod – er starb 2002 an den Folgen einer AIDSInfektion – und analysieren Ritts’ besonderes Talent, innerhalb seiner Bilder die Kluft von Kunst und Kommerz erfolgreich zu überbrücken.

Herb Ritts: L.A. Style
Herausgegeben von Paul Martineau. Mit einem Essay von James Crump
208 Seiten, 173 Tafeln in Duotone, ISBN 978-3-8296-0570-0
Ladenpreis EUR 78,-; (A) EUR 80,20; sFr 109,-
© 2012 J. Paul Getty Trust/ courtesy Schirmer/Mosel

Herb Ritts gelang der große Durchbruch auf dem Gebiet der Photographie 1979 mit der Veröffentlichung einer Aufnahme des jungen Schauspielers Richard Gere, die zwei Jahre zuvor entstanden war. Seine Bilder wurden in den folgenden Jahren in den renommiertesten Magazinen wie Harper’s Bazaar, Vogue, GQ, Rolling Stone und Vanity Fair abgedruckt, zudem belieferte er Andy Warhols berühmtes Interview-Magazin regelmäßig mit Portraits von Prominenten, die seine zurückhaltende, experimentelle Herangehensweise sehr schätzten.

Ritts’ Auftragsarbeiten zielten darauf ab, Mode zu verkaufen, gleichzeitig waren sie von eleganter Schönheit und minimalistischer Stärke. Seine homoerotischen Akte, die er mit durchtrainierten Models – meist Athleten oder Tänzer – umsetzte, bewirkten zusammen mit den photographisch verwandten Arbeiten seiner Zeitgenossen Robert Mapplethorpe und Bruce Weber eine radikale Wende in der Darstellungsweise des männlichen Körpers.

Herb Ritts, der auch zahlreiche Musikvideos für Madonna, Chris Isaak oder Janet Jackson drehte, trug mit seinen ikonenhaften Aufnahmen nicht nur zum Aufblühen des Phänomens der Supermodels bei, er war selbst eine Hollywood-Berühmtheit, der in dem Ruf stand, mit seinen Bildern Leute zu Stars zu machen.

Für die Dichte diese Staraufgebots liefert das Buch ‘Herb Ritts: L.A. Style‘ den visuellen Beweis: hier versammeln sich die berühmtesten Protagonisten der Film- und Modewelt in zeitlos schönen Photographien.

Das Buch Herb Ritts: L.A. Style kann bequem über Amazon bestellt werden.

Die Aufgabe der Designerin Lisa Norinder war es, für ihren Beitrag an der IKEA PS 2012 Kollektion nicht nur in die Vergangenheit zu tauchen, sondern auch Inspiration aus ihrer eigenen Familiengeschichte zu erfahren. Lisas Vater Lars, der 1992 verstarb, arbeitete als Designer für IKEA in den 80ern. Anstatt die Archive zu durchforsten, betrachtete sie sich die Designs ihres Vaters und wählte drei davon, um an ihnen zu arbeiten. Von den Dreien wird eines ausgewählt: der stapelbare und farbenfrohe IKEA PS 2012 Stuhl, eine neu interpretierte Version des ALBERT Stuhls ihres Vaters, der bereits 1986 den Markt eroberte.

„Wir hatten nie die Chance zusammenzuarbeiten, obwohl wir oft darüber sprachen, als ich noch Kind war”, erzählt sie. „Nun hatte ich die Chance, etwas zu tun, und das war toll. Was auch immer dabei herauskommen würde, es wäre zu Ehren meines Vaters.”

Lisa modernisierte den ALBERT Stuhl ihres Vaters, indem sie sich darauf konzentrierte, was noch fehlte – die Möglichkeit, den Stuhl zu stapeln. „Mein Vater hatte schon viele der IKEA Denkweisen verinnerlicht, zum Beispiel preisgünstige Konstruktionen mit hoher Funktionalität zu entwickeln und Produktionsstätten zu besuchen”, erzählt Lisa. „Das Einzige, was dem Design des ALBERT Stuhls noch fehlte, war seine Stapelbarkeit, und das war schon seltsam.” Bevor sie zu zeichnen begann, sprach Lisa mit ihrer Schwester, die selbst einen ALBERT Stuhl besaß – so konnte sie Maß nehmen und das Original rekonstruieren.

Um den Stuhl stapelbar zu machen, begann Lisa, die Form zu verändern, indem sie erst ein Stück der Rückenlehne entfernte. Als das noch nicht ausreichte, hatte sie eine weitere Idee. „Am Ende war es kein Stuhl mehr, sondern ein Hocker mit einer Art Griff. Man könnte es auch eine Andeutung der Rückenlehne nennen, und das kann bei so einem kleinen Stuhl durchaus ausreichend sein.” Aber er war noch immer nicht stapelbar bis zu dem Moment, als Lisa aus dem Bein oben an der Rückenlehne eine kleine Aussparung herausschnitt – so, als wenn jemand in einen Apfel gebissen hätte. Das gab dem Stuhl obendrein ein nettes Designdetail.

Obwohl Lisa den Stuhl verändert hatte, war sie überzeugt, dass sie dem Original treu geblieben war. „Am Ende habe ich mich ja nicht so weit vom Original entfernt und es hat wahnsinnig viel Spaß gemacht, mit dem Design meines Vaters zu arbeiten”, sagt Lisa. „Ich war mir sicher, dass auch er das genauso empfunden hätte.”

Mit einer Form oder einem Design zu spielen, war etwas, das Lisa schon immer mochte; schon als Kind, wenn sie unter dem Zeichentisch ihres Vaters in seinem Atelier spielte. „Das war mein absoluter Lieblingsort”, sagt sie. „Wir sind mit dem Thema Design groß geworden. Das Haus war voller Prototypen und wir hatten vielleicht an die 60 verschiedene Stühle – und keiner sah wie der andere aus. Wir lebten mit dem, was mein Vater gestaltete.”

Dies ist Lisas erstes IKEA PS Produkt, aber nicht ihr erstes IKEA Produkt. Das erschien schon 1997. „Ich habe mich sehr gefreut, als IKEA mich bat, am Projekt teilzunehmen”, strahlt sie heute. „Wenn du dich mit dem IKEA PS Design beschäftigst, dann geht es um IKEA Werte, aber mit der Form kannst du spielen und experimentieren.”

Quelle: ikea.com

German Design for Modern Living – Modernes Design aus Deutschland: komplett in einem Buch

Stahlrohrsessel, Glaslampen, Bauhaus-Tapeten: Neben den berühmten Klassikern der Weimarer Designschule, die weltweit bis heute den Wohnstil bestimmen, hat Deutschland auch andere wegweisende Wohnkonzepte hervorgebracht: von den Bugholzstühlen eines Michael Thonet im 19. Jahrhundert über frühe Systemschränke bis hin zu den aktuellen Entwürfen junger Designer, die gerade jetzt unseren Einrichtungsstil neu erfinden.

Der vorliegende Band gibt erstmals einen umfassenden Überblick über diese konstante Kreativität in Deutschland. Von Möbeln über Leuchten, Tapeten und Teppichen bis hin zu Klavieren, Kaminen, Türklinken und Porzellan werden mehr als 150 deutsche Wohnklassiker in ausführlichen Produktporträts beschrieben. Das macht dieses Buch nicht nur zum einmaligen Nachschlagewerk, sondern auch zur Inspirationsquelle für moderne Einrichtungsideen.

German Design for Modern Living

Bernd Polster
572 Seiten, mit 1000 Abbildungen
H22,5 x B20,0 Paperback

Das Buch ‘German Design for Modern Living’ kann bequem über Amazon bestellt werden.

Quelle: dumont-buchverlag.de

Otto Mueller gilt als einer der bedeutendsten Vertreter des deutschen Expressionismus, und um nachzuvollziehen, welch immensen künstlerischen Einfluss Otto Mueller zeitlebens hat, genügt ein Blick auf das Jahr 1910 – genauer: auf die Begründung für die Aufforderung seiner deutlich jüngeren Kollegen, sich der “Brücke” anzuschließen. Auslöser ist die bereits um 1903 gemalte, lebensgroße Darstellung der mordenden “Maschka als Lucretia”. Kein Geringerer als Ernst-Ludwig Kirchner bezeichnet sie in der “Brücke”-Chronik von 1913 als “Cranachsche Venus”, die – mit Max Pechsteins Amazone, dem Signet der “Neuen Sezession” in Berlin – Ausdruck und “Kampfbild” einer offensiven und gegen den Konservativismus und das Establishment gerichteten Kunst ist. Diese Lucretia ist nicht nur Muellers Eintrittskarte zur Brücke, sie ist auch die Initialzündung für Kirchners Beschäftigung mit Cranach und dem Venus-Motiv.

Otto Mueller: “Stehender Akt mit Dolch (Lukretia)” (um 1903), 175 x 90,5 cm, Öl auf Leinwand,
LehmbruckMuseum, Foto: © LehmbruckMuseum / Jürgen Diemer

Muellers Eintritt in die 1905 gegründete “Brücke” ist für ihn jedoch nicht nur Glücksgriff und Beginn eines regen und wichtigen Austauschs, sie führt auch zu einer lange anhaltenden eindimensionalen Sicht auf den Maler und Lithographen: “‘Brücke’-Maler” und “Zigeuner-Mueller” – mit diesen beiden Etiketten wird der 1874 im schlesischen Liebau geborene Mueller über Jahrzehnte abgestempelt und damit die Einzigartigkeit seines Œuvres verkannt. Als Beleg dafür dienen etwa die gerade einmal drei großen Retrospektiven, die Muellers Werk 1931 in Breslau und Berlin, 1957 in Hannover, Bremen, Hagen und Duisburg sowie 2003 in München in den Fokus rücken.

Mit “Einfach. Eigen. Einzig” folgt diesen Rückschauen nun einer der bislang umfassendsten Einblicke in Werk und Leben eines der wichtigsten Künstler des deutschen Expressionismus. Nach Stationen in den Kunstsammlungen Zwickau und der Kunsthalle Vogelmann in Heilbronn ist die Ausstellung vom 16. November 2012 bis 24. Februar 2013 im Duisburger LehmbruckMuseum in nochmals erweiterter Form zu sehen.

Otto Mueller: “Paar am Tisch” (um 1925), 110 x 85,5 cm, Leimfarbe auf Rupfen
LehmbruckMuseum, Foto: © LehmbruckMuseum / Jürgen Diemer

Obwohl einige seiner Werke postum auf der documenta 1 (1955) in Kassel gezeigt werden, ist eine angemessene Rezeption Otto Muellers bis heute verhindert worden. Die 2010 gegründete “Otto Mueller-Gesellschaft” in Weimar, die in ihrem ersten “Jahrbuch” zum 80. Todestag des Künstlers 2010 mit manchen Fehleinschätzungen aufgeräumt und neue wissenschaftliche Erkenntnisse publiziert hat, realisiert diese Ausstellung daher auch, um in komprimierter Form zu zeigen, was nach neuesten kunsthistorischen Erkenntnissen über Mueller und sein Werk bekannt und nachweisbar ist. Mit 140 Werken aus öffentlichem und privatem Besitz – darunter acht aus dem Bestand des LehmbruckMuseums – sowie Archivalien, Dokumenten und Fotografien beleuchtet sie dabei die gesamte Schaffenszeit Muellers von 1902 bis 1929.

Zur Ausstellung erscheint ein umfrangreicher, dreibändiger Katalog mit Abbildungen aller ausgestellten Werke, herausgegeben von Hans-Dieter Mück und Dieter W. Posselt, gefördert durch die Ernst von Siemens Kunststiftung. Ab November 2012 plant das LehmbruckMuseum zudem eine neue Konzertreihe im Rahmen der Ausstellung. Wie bei der letztjährigen Konzertreihe zur Ausstellung “100 Jahre Lehmbrucks Kniende – Paris 1911″ werden die musikalischen Werke eine enge thematische oder künstlerische Beziehung zu den ausgestellten Werken haben.

Die Ausstellung der Otto Mueller-Gesellschaft e. V. Weimar wurde konzipiert und realisiert von Dr. Hans-Dieter Mück, Apolda, und wird – gefördert von der Ernst von Siemens Kunststiftung und mit Unterstützung des Ministeriums für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes NRW – im LehmbruckMuseum präsentiert.

Quelle: duisburg.de

Der Designer Manuel Llorens Architekt aus Valencia, seit 25 Jahren leidenschaftlicher Skater und seine Ehefrau Innenarchitektin suchten eine Lösung für das Schuhchaos Ihrer 2 und 4 Jahre alten Kinder. Und damit war die Idee aus ausrangierten Skateboards ein Möbelstück, genauer genommen ein Regal zu bauen, geboren. Der Prototyp mit Namen tripple flip, selbstverständlich im Skater-Fach-Jargon, sorgt so für Ordnung die auch noch Spaß macht.

skate-home: Regal Backflip 5.0

Es folgten noch viele weitere Produkte mit Namen, die Stilgerecht betitelt ebenso der Skatewelt entstammen wie flip, nollie, indy usw.

skate-home

skate-home: Leuchte Casper

skate-home:skate-home: Bank California

Der Produktvielfalt scheinen keine Grenzen gesetzt zu sein und sind demnach nicht nur für Skateboard Fans gedacht.

Die Vergangenheit hat etwas, dem wir nicht widerstehen können. Um die neue IKEA PS 2012 Kollektion zu gestalten, wurden die IKEA-Designer aufgefordert, sich von den letzten 60 Jahren IKEA Design inspirieren zulassen. Sie sollten nicht einfach die Designsprache übernehmen, sondern die Designs in die heutige Zeit zu übersetzen, zu verbessern und sie in Form, Funktion, Material zu erneuern und ihre Nachhaltigkeit zu fördern. Und natürlich sollten sie die Kosten im Auge behalten, denn IKEA glaubt, dass Design – also auch Designstatements wie IKEA PS – in den Alltag vieler Menschen passt. Denn diesen Alltag zu verbessern, war, ist und wird auch für die Zukunft eine IKEA-Mission sein.

IKEA PS 2012 – Fakten

46 Produkte, 19 Designer, Siebte IKEA PS Kollektion, Inspiriert von fast 60 Jahren IKEA Designgeschichte, Designinnovationen in Form, Funktion, Nachhaltigkeit und Materialien, Materialien wie Bambus, recycelter PET-Kunststoff, Holz-Kunststoff-Verbindung und Leinen, Stühle, Tische, Leuchten, Schüsseln, Textilien, Bilder und mehr…

IKEA PS ist das IKEA Designstatement. Es wurde 1995 zunächst auf den Markt gebracht, um den Kern der Geschäftsidee von IKEA als Designunternehmen zu stärken. PS bedeutet „Postskriptum” und bezieht sich auf das innovative skandinavische Möbeldesign, ohne aus den Augen zu verlieren, was IKEA ausmacht – erschwingliches, hochwertiges Design für viele Menschen.

Warum diese Kollektion?

Schaumstoffsessel, kleine Küchenvorratsbehälter, Metallrohrsofas – manche Produkte erinnern deutlich an vergangene Zeiten. Für die IKEA PS 2012 Kollektion gab IKEA 19 Designern die Aufgabe, neues Leben in Ideen, Erinnerungen, Gedanken, Formen und Produkte aus der Vergangenheit zu bringen und sie in die Zukunft zu transferieren. Die Designer durchforsteten Katalogbilder der letzten 60 Jahre und gingen in die IKEA Produktarchive, um sich inspirieren zu lassen. Das Ergebnis: 46 neue Produktentwürfe.

„In der Welt des Designs ist es auch modern, über Klassisches zu sprechen und neue Produkte in altem Stil auf den Markt zu bringen”, sagt der IKEA PS Projektleiter Peter Klinkert. „Wir haben immer gesagt, dass wir alte Produkte nicht einfach wieder erneut einführen wollen. Das ist nicht die Idee hinter IKEA PS. Das würde IKEA nicht weiterbringen. Stattdessen können wir uns von der Vergangenheit inspirieren lassen, um Produkte zu entwickeln, die ins Heute, aber auch noch in die Zukunft passen.”

Die IKEA PS 2012 Kollektion beinhaltet Produkte, die praktisch, funktional, stapelbar, nachhaltig, flexibel, witzig und überraschend sind, in verschiedenen Materialien und strahlenden Farben. Von der Schuhaufbewahrung, auf der man auch sitzen kann, bis hin zu einem von Insekten inspirierten Sessel für drinnen und draußen aus Metall. Oder ein Kinderregal, das man auch als Puppenhaus nutzen kann. Diese Kollektion hat ein bisschen von allem und verkörpert alles – nämlich IKEA. „Familien mit Kindern, Menschen, die auf kleinem Raum leben, Menschen mit kleinem Budget – in dieser Kollektion gibt es für jeden etwas”, sagt Mats Nilsson,
Auswahlstratege bei IKEA Schweden. „Ob es ein Teil ist oder viele, die IKEA PS Produkte sollen Menschen inspirieren, ihre Bedürfnisse und Wünsche rund ums Haus erfüllen und Spaß machen.”

Nachdem die Designer das ansprechende Material für ihre Entwürfe gefunden hatten, spielten sie mit Ideen, wie sie Formen, Funktionen, Materialien und Nachhaltigkeit neu interpretieren könnten. Wie die Designer und Geschwister Knut und Marianne Hagberg, die die Gelegenheit ergriffen, mit einem ihrer eigenen Designs aus den 80ern zu arbeiten. Was einmal ein Kinderschaumstoffsessel für drinnen war, wurde zum IKEA PS 2012 Kindersessel aus Kunststoff, den man auch draußen nutzen kann. Knut und Marianne gestalteten auch einen Kindertisch (passend zum Sessel) mit integrierter Aufbewahrungsmöglichkeit.

Die Designerin Sarah Fager fand Inspiration in der kleinen Küchenaufbewahrung aus den 60ern und arbeitete zusammen mit IKEA Technikern, um nachhaltigere Materialien für ihre IKEA PS 2012 Schubladen zu nutzen. „Die Schubladen werden nun aus PETKunststoff und Bambus hergestellt”, erzählt Sarah. „Bambus ist sehr schnell wachsend und daher ein nachhaltiger Rohstoff. PET macht es nicht nur einfach, in die Schubladen zu schauen, um zu sehen, was dort versteckt ist. PET ist vor allem leicht wiederzuverwerten.” Die Metallrohrsofas aus den frühen 70ern waren eins der auserwählten Produkte von Designer Nike Karlsson. Er forderte sich selbst heraus, ein Design mit einer günstigeren Konstruktion zu gestalten, das neue Materialien nutzte, aber den Komfort beibehielt. Um den Komfort und die Nachhaltigkeit zu steigern, verfügt das IKEA PS 2012 3er-Sofa über einen Federkern. „Federkerne werden in Matratzen verwendet. Die Metallfedern sind nicht nur leichter zu recyceln, viele Federn bedeuten auch viel Komfort.”

Auch die anderen Teile der Kollektion dieses Jahres erzählen viele Geschichten über Innovationen.

„Jedes Produkt erzählt seine eigene Geschichte über den Ursprung seines Designs”, sagt Peter Klinkert. „Aber wir machen IKEA PS nicht, um eine Art intellektuellen Vortrag über unsere Designleidenschaft zu halten. Es geht vielmehr darum, reale und praktische Möbel für viele Menschen zu kreieren. Kein Wohnraum ohne Design.”

Die Kollektion

Wie alle Produkte des IKEA Sortiments ist jedes einzelne IKEA PS Produkt das Ergebnis einer intensiven Teamarbeit. Von der Betrachtung neuer Materialien und Herstellungsprozesse bis hin zur Auswahl von Lieferanten beruht jedes IKEA Produkt auf dem Wissen und der Stärke von IKEA als Ganzes. Und da ist natürlich auch immer das gewisse Etwas der Designer selbst, ihre Inspiration, ihr eigener Weg. Deshalb stellen wir auf design-issue.com künftig viele Teile der IKEA PS 2012 Kollektion vor, inklusive den Designergedanken zu jedem Produkt.

Den Anfang macht heute:

Das IKEA PS 2012 Sofa

Design: Nike Karlsson

„Viele moderne Sofas wirken ein bisschen schwer und klobig. Zu IKEA PS 2012 Sofa wurde ich inspiriert durch leichte, grazile Sitzmöbel mit Rohrgestellen, wie man sie früher hatte. Gleichzeitig muss man beim Design auch die Umwelt im Auge behalten. Viele Sofas enthalten noch Materialien, die man nicht recyceln kann. Deshalb probierten wir verschiedene Lösungen aus und entschieden uns für Taschenfedern, wie sie in Matratzen verwendet werden. Metallfedern lassen sich nicht nur leichter wiederverwerten – viele Federn sorgen auch für viel Komfort.″

Quelle: ikea.com

Farbe und Form erinnern an zwei wesentliche Elemente, die die Identität der polnischen Hafenstadt Danzig prägen: Bernstein und Schiffsbau. Während die filigrane Tragwerkskonstruktion an einen Schiffsrumpf erinnert, verleiht die Polykarbonat-Hülle der Fassade dem Bau Transparenz und Leichtigkeit sowie eine bernsteinfarbene Leuchtkraft. Auch die Innenausstattung ist bis ins Detail durchdacht und vom Feinsten. Daher kommen in den Sanitärräumen der PGE Arena Produkte von GROHE zum Einsatz. Es ist übrigens nicht der einzige Austragungsort der EM 2012, in dem die Weltmarke ihre Premiumqualität beweist. In sechs der insgesamt acht Stadien wurden GROHE Produkte integriert.

Die neue PGE Arena in Danzig : Prachtbau mit Symbolkraft

Drei Gruppenspiele und ein Viertelfinalspiel werden zwischen dem 8. und 22. Juni 2012 in der PGE Arena ausgetragen. Namensgeber ist der polnische Energieversorger Polska Grupa Energetyczna (PGE), der sich die Namensrechte der ehemaligen Baltic-Arena (zu Deutsch „Ostsee-Arena“) gesichert hatte. Vor einer traumhaften Meereskulisse ragt auf dem rund 34 Hektar großen Areal das 236 Meter lange, 203 Meter breite und 45 Meter hohe Bauwerk imposant und golden schimmernd heraus. 40 VIP-Lounges, zahlreiche Restaurants, Bars und Geschäfte sorgen auf 2.000 Quadratmetern für eine kulinarische Rundumversorgung. Um die identitätsstiftenden Merkmale der Stadt, die Danziger Hafenanlagen und den Bernstein, auch „Gold der Ostsee“ genannt, harmonisch miteinander zu verbinden, hat das deutsche Architekturbüro RKW Rhode Kellermann Wawrowsky Architektur + Städtebau – die Außenhülle aus sechs unterschiedlich durchgefärbten Modulvarianten zusammengesetzt. In ihrer Mischung erzeugen sie einen faszinierenden Farbverlauf, der den Baukörper wie einen durch Wasser, Sand und Wind rundgeschliffenen Schmuckstein wirken lässt. Die grünen Sitze auf den Zuschauerrängen im Stadion drücken die Verbundenheit Danzigs mit dem polnischen Fußball-Erstligisten Lechia Gdansk aus, der im Anschluss an die EM in das Stadion einziehen wird. Außerdem soll die multifunktionale Arena dann zusätzlich für Konzerte und andere Veranstaltungen genutzt werden.

Perfekte Ausstattung für Großereignisse in der neuen PGE Arena

Wo viele Menschen ein- und ausgehen, ist auch im Sanitärbereich eine weitsichtige Planung und Produktwahl gefragt. Daher spielten bei der Entscheidung für die Ausstattung der PGE Arena die Aspekte Qualität, Langlebigkeit und Wartungsfreiheit eine wesentliche Rolle. Kriterien, die Produkte von GROHE bestens erfüllen. So zum Beispiel das flexible und sichere Installationssystem Rapid SL für WC und Urinal. Rapid SL passt sich den unterschiedlichsten Einbausituationen an. Für eine schnelle werkzeuglose Montage und weniger Dichtstellen sorgt der einteilige Wasseranschluss. Ausgestattet mit pneumatischem Ablaufventil vereint der Spülkasten die drei verschiedenen Spülfunktionen Start/Stopp, Ein-Mengen- oder Zwei-Mengen-Spülung. Wie der Name schon sagt, lässt sich das GROHE Rapid SL Installationssystem dank QuickFix und nur noch zwei Halterungen besonders rasch und einfach einbauen. Das Ergebnis: wertvolle Zeit- und Kostenersparnis. Die Verbindung zur Betätigungsplatte erfolgt dank GROHE EasyConnect durch einfaches Aufstecken nur einer Schlauchverbindung. Um den Wasserverbrauch niedrig zu halten und Ressourcen zu schonen, kann in Verbindung mit dem passenden WC-Becken die Wassermenge auf 4,5 beziehungsweise drei Liter verringert werden. Die GROHE Whisper® Technology verhindert störenden Lärm, es werden keine Geräusche in den Baukörper weitergeleitet. Zudem steht GROHE für TÜV-geprüfte Sicherheit in puncto Belastung und Montage. Geschlossene Elementprofile gewährleisten höchste Formstabilität und eine Belastbarkeit von bis zu 400 Kilogramm für das WC.

Leistungsstarke Rahmenbedingungen für leistungsstarke Ballkünstler – die PGE Arena mit GROHE Ausstattung steht bereit.

grohe-group.com

Darstellungstechnik und Design, der komplett überarbeitete und erweiterte Nachfolgeband des erfolgreichen Titels Darstellungstechnik, zeigt Ideenskizzen, Renderings, Handwerkliches, Zeichengeräte, Abläufe und Arrangements. Dazu enthält das Buch Kapitel zu zeichnerischen Grundlagen, den Umgang mit verschiedenen Zeichenmedien und viele Beispiele aus allen Bereichen des Designs: Ein unverzichtbarer und praxisnaher Ratgeber für Designer aller Fachrichtungen, technische Berufe, Studium, Lehre und zur Mappenerstellung.

Darstellungstechnik und Design von Alexander Ott von Stiebner

Darstellungstechnik und Design – Ein praxisnaher und reichhaltig illustrierter Band für Designer, Studenten und technische Berufsgruppen.

Darstellungstechnik und Design

Broschiert: 176 Seiten
Verlag: Stiebner; Auflage: 4., überarbeitete und erweiterte Aufl. (28. Juni 2010)

Das Buch ‘Darstellungstechnik und Design’ kann bequem über Amazon bestellt werden.

Sprache: Deutsch
ISBN-10: 3830713932
ISBN-13: 978-3830713937
Größe und/oder Gewicht: 29,4 x 20,8 x 1,6 cm

Quelle: stiebner.com

Die Skulptur, entworfen von Christian Gonzenbach, hat den Kunstwettbewerb zum hundertjährigen Chevrolet-Jubiläum gewonnen. Der Wettbewerb wurde am 3. November 2011 initiiert, dem 100. Geburtstag der legendären amerikanischen Automarke. Eine internationale Jury kürte Gonzenbachs Entwurf zum Besten der insgesamt vier eingereichten Vorschläge. Er setzte sich gegen die Eingaben von Lang/Baumann, Costas Varotsos sowie Olivier Mosset und Sylvie Fleury durch. Das spektakuläre Kunstwerk wird im zentral gelegenen Parc de l’Ouest in La Chaux-de-Fonds errichtet.

The art-project of Christian Gonzenbach – Foto: © GM Company

“Die Jury empfand das Kunstwerk von Christian Gonzenbach als das emotional anregendste der vier einzigartigen Vorschläge. Sein Ansatz zeigt einen ähnlichen Pioniergeist wie den des Mannes, der die Marke Chevrolet gründete. Mit seiner visuellen Komplexität und den ständig wechselnden Reflexionen wird dieses Kunstwerk alle faszinieren”, so Susan Doherty, Vorsitzende der Jury sowie President und Managing Director von Chevrolet Europe.

“Vielen Dank an die Jury für das Vertrauen, das sie in mich und mein Projekt setzen. Ich bin begeistert, dass ich die Möglichkeit bekomme, den Pioniergeist von 100 Jahren Chevrolet künstlerisch auszudrücken und die dynamische Kraft, die Louis Chevrolet sein Leben lang verkörperte, weiterzutragen”, erklärte der Genfer Künstler Christian Gonzenbach.

Die ursprüngliche Idee zu der 5 Meter hohen Chevrolet Büste begann mit der Geschichte des Mannes, dessen Name auf der ganzen Welt zum Markenzeichen wurde. Dieses figurativ abstrakte Werk ist zeitlos und wird auch für kommende Generationen interessant bleiben. Ihre Reflexionen spiegeln die dynamische Persönlichkeit von Louis Chevrolet und das sie umgebende Stadtleben.

“Wir sind sehr dankbar für diese großzügige Donation von Chevrolet. Es wird ein Wahrzeichen entstehen, das Touristen, Kunstliebhaber und Auto-Fans nach La Chaux-de-Fonds ziehen wird”, sagte Laurent Kurth, Gemeinderat von La Chaux-de-Fonds.

“Gonzenbach hat in einer traditionellen Kunstgattung, der Büste, ein experimentelles Werk geschaffen. Ich freue mich sehr, dass wir, die Jury, diesen jungen und aufstrebenden Künstler ausgewählt haben und ich bin davon überzeugt, dass wir in Zukunft noch viele herausragende Arbeiten von ihm zu sehen bekommen werden”, sagte Hans Rudolf Reust, Kunstkritiker und Präsident der Eidgenössischen Kunstkommission.

Das Sieger-Kunstwerk erinnert an hundert Jahre einer der weltbekanntesten Automarken und bringt die Werte zum Ausdruck, für die Chevrolet und sein in der Schweiz geborener Mitbegründer in 140 Ländern überall auf der Welt bekannt wurden: eine Vorreiterrolle bei Innovationen, einen ausgeprägten Optimismus und die Leidenschaft, das Beste aus den Möglichkeiten zu machen, die das Leben bietet.

Die Projektleitung liegt in den Händen von Friederike Schmid, einer erfahrenen Managerin für standortspezifische Kunstprojekte. Der Kunstwettbewerb zum einhundertjährigen Chevrolet-Jubiläum bildet den Abschluss einer Reihe von Initiativen zum hundertjährigen Geburtstag der viertgrößten Automarke der Welt. In seinem Jubiläumsjahr lancierte Chevrolet in Europa sieben neue Fahrzeuge. Die Produktoffensive wird dieses Jahr mit der Einführung zweier neuer Modelle fortgesetzt.

Über Chevrolet
Chevrolet ist mit einem Jahresabsatz von mehr als 4 Millionen Fahrzeugen in über 140 Ländern die größte weltweite Marke von General Motors. Bezogen auf den Verkauf ist Chevrolet weltweit die viertgrößte Automarke und zählt zu den am schnellsten wachsenden Marken der Welt. Chevrolet Fahrzeuge verbinden ausdrucksstarkes Design, Leistung, Innovation und Zweckmäßigkeit – bei einem hervorragenden Preis-Leistungs-Verhältnis. 1911 von dem Schweizer Emigranten Louis Chevrolet in den USA gegründet, feierte die Marke 2011 ihr 100-jähriges Jubiläum. 2005 wurde sie in Europe wieder eingeführt. In West- und Zentraleuropa ist Chevrolet mit über 2.500 Händlern und Service-Stationen vertreten. Das europäische Produktportfolio umfasst den Cityflitzer Spark, den Kleinwagen Aveo als Limousine und Fließheck, den Kompaktwagen Cruze als Limousine und Fließheck, den Familien-Van Orlando, das SUV Captiva, die legendären Sportwagen Camaro und Corvette sowie den Volt, ein Elektrofahrzeug mit verlängerter Reichweite. 2012 führt Chevrolet den Cruze als Kombi und die Mittelklasselimousine Malibu ein.

Weitere Informationen zu Chevrolet finden Sie unter www.chevrolet.de.

Franz Erhard Walther. Raum durch Handlung
Eine Ausstellung im ZKM | Museum für Neue Kunst
© 2012 ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe

Im Rahmen des diesjährigen Ausstellungs-Schwerpunktes der Performativität präsentiert das ZKM | Museum für Neue Kunst erstmalig das komplette Werk der „Schreitbahnen“ von Franz Erhard Walther, das von Fotografien und Zeichnungen des Künstlers begleitet wird.

Schon in seinen frühen fotografischen Arbeiten Ende der 1950er-Jahre hat Franz Erhard Walther begonnen, den von Marcel Duchamp begründeten Diskurs über die Definition der Skulptur fortzuführen. Die Beziehung zwischen Werk, Künstler und Betrachter rückte in den Fokus seines künstlerischen Schaffens und die Rolle des Rezipienten wurde durch Interaktion hinterfragt. Lange bevor Künstler wie Bruce Nauman u.a. ihren eigenen Körper als skulpturales Medium verwendet haben, hat Walther sich selbst und das Publikum als bildhauerisches „Material“ eingesetzt. Nach seinem Studium bei K. O. Götz ging er 1967 nach New York und präsentierte bereits zwei Jahre später im Museum of Modern Art (MoMA) seinen legendären „1. Werksatz“ – eine 58-teilige Arbeit, die heute zur Sammlung des MOMA gehört. Die Ausstellungsbesucher hatten die Möglichkeit, die aus textilen Materialien bestehenden Werke zu benutzen: sie konnten diese den eigenen Ideen entsprechend arrangieren, zwischen mehreren Besuchern anordnen oder aufspannen. Entsprechend dieser Grundidee lautet auch die erste Publikation von Franz Erhard Walther „OBJEKTE, benutzen“ (1968). Das längst vergriffene Buch wird anlässlich der Ausstellung im ZKM | Museum für Neue Kunst neu aufgelegt und aktualisiert.

Der aktive Umgang mit einem künstlerischen Angebot, die Erfahrung der Haptik von Stoffen und Materialien, das Empfinden der eigenen Körperlichkeit und das daraus resultierende Handeln im Raum machen auch heute noch das Werk von Franz Erhard Walther zu einem außergewöhnlich zeitgenössischen Beitrag. Seine Arbeit lässt sich als Synthese aus Prozesskunst, Minimal Art und Konzeptkunst deuten und steht mit zahlreichen wichtigen Positionen der zeitgenössischen Kunst im Dialog.

Kuratoren: Peter Weibel und Andreas F. Beitin

Quelle: zkm.de